In seinen Arbeiten ist Andreas Bitesnich experimentierfreudig und wandelbar, sein Stil ist von großer Klarheit. Zunächst faszinierte ihn die Schwarz-Weiss-Fotografie in Verbindung mit grafischen Elementen. Später ist er andere Wege gegangen und hat sich in der Folge die Farbfotografie erschlossen.
Neben der Aktfotografie haben Bitesnich immer (oder noch immer) Reisefotos interessiert. Die Reisefotografie hat allerdings einen weniger großen Bekanntheitsgrad erreicht wie seine Kunst-Erotik-Fotos. Insgesamt werden seine Arbeiten als phantasievoll und von eigener Ästhetik bestimmt gepriesen, in ihrer Perfektion erscheinen sie nie langweilig.

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Heute gilt er weltweit als begehrter Fotograf und als ein Meister des Lichts. Wer sich für Bitesnichs Arbeiten interessiert, der sei auf seine Bücher verwiesen: “Pola Nudes”, “Nudes”, “Women”, “on form” ­ sinnliche Körperbilder, das fünfte Buch “Travel” umfasst eine Sammlung seiner Reisebilder.

Dadurch kam er zu dem Thema, das ihn bis heute in seinen fotografischen Arbeiten begleitet: die Erweckung statischer Objekte zum Leben. Er baute sich aus einer Sperrholzplatte seinen ersten Vergößerer, kam dann über verschiedene Kameras zur Hasselblad. Denn, so sagt er heute, wollte er endlich wirklich etwas erreichen und da schien die Hasselblad ihm die einzig denkbare Alternative zu sein.
Sein Motto heißt: “Wenn es einen Weg gibt, etwas anders zu machen, dann ist das der Weg, den du gehen musst.”
So fing er zunächst an, gestochen scharfe Aufnahmen anzufertigen, erkannte dann aber, dass undefinierte Bildelemente ihn mehr reizten. Für ihn sind sie ein Traum in einer Welt, in der Schärfe die Realität ist.
Seine Technik basiert auf das Bewegen der Kamera, während er gleichzeitig ein Bild mehrfach belichtet, mithilfe immer anderer Lichtquellen. Dabei ist es ihm wichtig, das Umgebungslicht in Verbindung mit einem selektiven Fokus zu nutzen. So schafft er mystische und kontrastreiche Aufnahmen, die an stimmungsvolle, impressionistische Gemälde erinnern.

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Der aus Holland stammende Künstler verbindet analoge mit digitaler Fotografie: die Aufnahme erfolgt mit Film, nach der Entwicklung wird das Foto eingescannt und anschließend digital bearbeitet. Der Vorteil digitaler Fotografie besteht für van Ommeren nicht in der hohen Geschwindigkeit, sondern weil er die Ergebnisse schneller sehen kann. Dennoch ist die Hasselblad nach wie vor seine favorisierte Kamera.

Hans van Ommmeren vertritt die Überzeugung, dass ein guter Fotograf auf verschiedenen Gebieten begabt sein muss. So findet man seine Arbeiten sowohl in der Werbe- und Modeindustrie, als auch in der IT- Branche und anderen Bereichen. Dabei folgt er immer seiner Intuition: wenn sich etwas gut anfühlt, ist auch das Ergebnis meist entsprechend gut.Fotos machen ist für ihn wie träumen, er fängt Ungewöhnliches ein, hält schöne Momente fest und erschafft mit ihrer Hilfe eine Fantasiewelt. Inspiert von Fotografen wie Lartique, August Sander, Irving Penn, Ernst Haas und Sarah Moon, ist Hans van Ommeren stets auf der Suche nach schöneren Objekten, Farben und Kompositionen.
“Fotografie ist das einzige, das ich wirklich liebe,”, sagt van Ommeren über sich selbst,”traurig, oder?”

Zu ihren bevorzugten Genres gehört die Unternehmensfotografie. Für Doris Doppler sind Unternehmen Orte schöpferischer Kraft, die Symbiose aus menschlichem Fühlen und rational-technischem Kalkül. Produktionshallen, Lager und Verwaltungsgebäude besitzen ihre eigene Ästhetik, die es fotografisch zu übersetzen gilt – und zwar ausschließlich mit available light. Bei dieser konzeptionellen Unternehmensfotografie wird Doppler von einer Kunstagentur vertreten.

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Der zweite wichtige Bereich ist für Doris Doppler die Landschaftsfotografie – und zwar abseits von beeindruckenden Hochglanz-Fotos. Im Gegensatz zu den meisten Fotografen wählt Doppler für ihre Landschafts-Interpretationen das Hochformat. Sie arbeitet mit minimalistischen Ausschnitten und konzentriert sich auf scheinbar unwichtige oder einförmige Motive. Ein besonderes Faible hat Doris Doppler für das Landleben in all seinen Facetten – vom vorbeifahrenden Traktor über Einblicke in Kuhställe oder das Bestellen der Felder. Bauerntum und Landschaft werden so auf eine reduziert-meditative Art interpretiert.

Der 1972 in Österreich geborene Peter Sturn kam als Autodidakt zur Fotografie. Weder eine Ausbildung noch ein Studium, lediglich Leidenschaft zum Motiv und das unbedingte Interesse an den Ausdrucksmöglichkeiten dieser Kunstform begleiteten ihn auf dem Weg in die beruflichen Professionalität.

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Glanz und Schönheit der abgebildeten Menschen, seien es nun reine Beauty-Aufnahmen oder solche, die Mode präsentieren, werden vor allem durch den Fokus auf das Gesicht und die Augen, dem spezifischen Blick des Models evoziert. Gleichwohl bestechen die Fashion-Fotografien noch durch die Wahl von ungewöhnlichen Orten in der Kombination mit scheinbar widersprüchlicher Bekleidung, bzw. Accesoires. Ob in schwarz und weiß gehalten oder als farbige Aufnahme: Vor allem der Kontrast der der eigentümlichen Orte und Objekte, oft karg oder monströs, abweisend und fremd, und die in einer individuellen Schönheit erstrahlende Person rückt die „Schokoladenseite“ des Menschen in das Augenlicht des Betrachters. Dennoch scheinen die Abgelichteten auch mit dem sie umgebenden Unbelebten in Kontakt zu stehen. In dieser Hinsicht scheint das Bild eine Frage, ein Warum lautlos in den Raum zu stellen. Insbesondere die Geschichte, die sich aus diesen bestimmten Konstellationen in der Phantasie des Betrachters entwickelt, ist ein grundlegender Bestandteil im Werk von Peter Sturn. Nach eigener Aussage sieht er dementsprechend in der digitalen Fotografie die Verschmelzung von Film und Fotografie.

Der Künstler, der 1969 in Minden geboren wurde, begann vor ca. fünfzehn Jahren, sich unaufhaltsam in der Fotografie zu engagieren. Am Beginn dieser Zeit stand noch die intensive Auseinandersetzung mit der analogen Technik. Buddenbohm arbeitete mit Spiegelreflexkameras von Revue und Canon. Die digitale Fotografie eröffnete ihm dann neue Wege, eine größere Bandbreite an Ausdruck durch die Bildbearbeitung am Computer in HDR gab dem Fotografen mehr Impulse. Seitdem ist er beständig auf der Suche nach neuen Motiven und Arten, diese in ganz eigener Manier darzustellen.

Vor allem die Aufnahmen, die sich der Architektur, insbesondere der maroden, widmen, den Verfall der Baukunst, die Vergänglichkeit der Konstruktion widerspiegeln, vermitteln einen kraftvoll bestechenden Eindruck. Zum einen halten sie das Monumentale und Imposante eines Gebäudes, bzw. eines architektonischen Elementes fest, bannen die Gemäuer regelrecht als ein Sinnbild der Stärke und Macht in das Bild. Und dennoch entgleitet dem Betrachter der Eindruck des Ewigen ob des augenscheinlichen Verfalls des von Menschenhand Errichteten. Aber auch hier liegt wiederum eine Beständigkeit, die unmittelbare Wahrhaftigkeit der Sterblichkeit aller Konstruktion. Zu Staub wird alles, was aus diesem hervorgetreten. Buddenbohms nahezu barockes Auge fängt in den Aufnahmen die Sehnsucht nach dem Ewigen ausgelöst durch das gleichzeitige Bewusstsein der Vergänglichkeit ein. Zudem verweisen die Brüche von Licht und Schatten, der in Szene gesetzte Kontrast von Hell und Dunkel ebenso auf diese Dichotomie von Tod und Leben. Mehr noch: In dem Kreislauf des Materials und der Menschenwerke koinzidieren der Zerfall und die Prinzipien der Entstehung, der Anfang und das Ende und vice versa.

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Gleichsam nehmen die Fotografien von Landschaften und Natur ein Wechselspiel auf: Durch unterschiedliche Lichtverhältnisse und spezielle (häufig schiefe) Perspektiven wird der Eindruck einer einzigartigen Momentaufnahme suggeriert. Die Ideosynkrasie des Augenblicks, der Abläufe in der Natur und den Gegenden mit ihren ständig weiter ziehenden Wolken, den sich andauernd ändernden Wind- und Wetterverhältnissen mahnt die Zerbrechlichkeit des Moments an. Die Veränderung indes ist eine Sicherheit, so dass den Aufnahmen der Flora und Fauna auch eine gewisse Ruhe und Konstanz inne zu wohnen scheint.
Alle Bilder des Fotografen Ralf Buddenbohm, auch die von Menschen, demonstrieren insofern den Reiz an einer unverbrauchten Perspektive, den Drang mehrere Blickwinkel in einer Aufnahme zu vereinen.

Schon während seiner nach eigener Aussage als eher langweilig empfundenen Schulzeit im Raum Dortmund entwickelte Martin Birkner träumend in Giger-Phantasien verstrickt, den Wunsch illustrativ und kreativ tätig zu werden. So studierte er nach dem Abschluss Kunst und Grafik-Design an der Rhein-Sieg-Kunst Akademie in Hennef. Für die Konzeption und Gestaltung eines Lifestyle-Unterwäschelabels erhielt er 2005 das Diplom für Grafik- und Kommunikations-Design.
Von 2006-2008 war er für den deutschen 3L-Filmverleih (www.3L-film.de) als Art-Director tätig. Hier kreierte und redesignte er Filmposter und Werbung für Kinos in Deutschland und Österreich. Seit 2009 ist Birkner nun selbstständig als freiberuflicher Fotograf und Digital Artist tätig. Inspiration bezieht der Künstler nach eigenen Angaben aus unterschiedlichen Medienbereichen wie Film, Bücher, Zeitschriften und Kunst. Vor allem die Arbeiten von Terry Gilliam, Stefan Sagmeister, Banksy uvm. begeistern den Fotografen.

Birkners Modefotografien betonen insbesondere das Individuum, die Akzente liegen hier auf dem Speziellen der Mimik und Gestik, bzw. der Körperhaltung. Extravaganzen, Eigentümlichkeiten und Verrückt-/Entrücktheiten erzählen vom Leben, seinen Knicken und Verirrungen: Die Phantasie des Betrachters stürmt drauf los und befindet sich im Bruchteil eines Wimpernschlags in einer träumerischen Wirklichkeit, die gerade auch durch die bestimmte Kleidung oder das eine besondere Accesoire beschworen wird. Gleichsam verschafft der Künstler seinen Beauty-Aufnahmen den Hauch einer exentrischen Individualität. Hier lugt in jedem Winkel die jeweilige Vergangenheit hervor; aber vor allem wird die gegenwärtige Verstrickung stark betont und die Spannung ob der konkreten Zukunft rückt ins Augenmerk.

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Dieser Schwerpunkt auf der Darstellung von Menschen, ihren Gesichtern, ihre Haltung und Bewegung kommt zudem in den Filmplakaten und -werbung zum Tragen. Die Geschichte, die hier erzählt wird, kann demzufolge schon im Poster wahrgenommen werden; der Ausdruck der Abgebildeten verinnerlicht den Plot, sowie die Handlung die Personen formt.
Ferner begegnen dem Betrachter der Birknerischen Werke mitunter auch Fotografie-Illustrationscollagen. In einigen Bildern scheint abseits aller Werbe- oder Modezwecke immer noch die kindliche Neugier zu sprechen, die Erwartung, der Aufbruch vorwärts in ein spannendes Abenteuer lockt und lässt den Konsumenten schmunzeln ob seiner oft eigenen erwachsenen Ernsthaftigkeit. Wenn der Spaß an der Tat an sich verloren geht, kann es keine Geschichten mehr geben. So ist es nur verständlich, dass jemand wie Martin Birkner eigens verkündet, die Selbstständigkeit angestrebt zu haben, um nicht zu einem Büro-Zombie zu mutieren.

Die Bilder von Andreas Lange spiegeln eine symbiotische Beziehung dieser technischen Errungenschaften und den natürlichen und kreatürlichen Formen und Farben der Umwelt wider: ohne vorher exakt ein Konzept zu entwerfen, entstehen Aufnahmen, die dann mit Freude am Experiment, mit Blick auf das Detail und akribisch bearbeitet, zu digitalen Kunstwerken reifen. Gerade die Optionen der HDR Technik kommen dem Fotografen in dieser Hinsicht sehr entgegen. Hierdurch kommt Dynamik in den kleinsten, mit Licht durchfluteten oder schattenhaften Winkel des Bildes; der Kontrastumfang ist derart hoch angesetzt, dass plastisch-räumliches Erfassen, regelrechtes Begreifen hier wie ein Kinderspiel erscheint. In den insofern nahezu artifiziell wirkenden Fotografien fließen leuchtend bestechende, kraftvolle Farben ineinander, formen Formen, die wie in den Ausschnitt gegossen oder direkt in diesem selbst generiert, die Wirklichkeit in potenzierter Art und Weise nachempfinden. Als läge hinter dem Sichtbaren der ersten Aufnahme, mehr Kopie noch zu Beginn, eine digital romantische Seele, die erst nach genauem Studium des Festgehaltenen dem anfänglichen Eindruck Beweglichkeit verschafft.

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Der 1962 im Emsland geborene Fotograf sieht in dieser Flexibilität und Offenheit, die in dem späteren Umgang mit seinen sich in einem Identitätsprozess befindenden Motiven besonders deutlich werden, auch einen grundsätzlichen Lebensentwurf. In den Fokus rückt hierbei die ständige Weiterentwicklung entlang der nie stillstehenden, digitalen Welt der Gestaltung. In diesem Sinne erweist sich die Öffentlichkeit des Internets als bedeutend für den zweifachen Vater: Denn die somit allgemeine Zugänglichkeit seiner Werke liegt ihm besonders am Herzen. Er betreut und gestaltet seine eigene Homepage ständig weiter, um einer virtuellen Gemeinschaft fortdauernd präsent und interessant zu bleiben.

Bei seinen zukünftig geplanten Projekten soll vor allem das Emsland, im Speziellen das Moor und die Windmühlen, im Mittelpunkt stehen. Zudem will der Fotograf seine Fertigkeiten bei Portrait- und Hochzeitsaufnahmen, denen er sich noch ein wenig abseits seiner favorisierten Natur- und Tieraufnahmen in unregelmäßig Zeitabständen widmet, ausbauen.

Ihre Bilder entstehen nicht in einer detaillierten Vorplanung, vielmehr stellen sie Eindrücke aus der Umgebung und dem alltäglichen Leben dar. Motive lauern überall - sei es die Vielfalt der Formen und Strukturen, die unterschiedliche Beschaffenheit der Landschaft, die prächtig leuchtenden Farben des australischen Outbacks oder die Ruhe und Erholung am idyllischen Fjord. Die Leidenschaft zur Fotografie begleitet sie auf jeder Reise und die Natur inspiriert sie immer wieder aus Neue.

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2008 stellte sie gemeinsam mit ihrem Lebensgefährten Daniel Schiel ihre Bilder erstmals in einer Ausstellung in Veitshöchheim bei Würzburg einem größerem Publikum zur Verfügung.
In dem Ausstellungsteil “Impressionen eines Kontinentes” zeigte sie Bilder ihres einjährigen Aufenthalts in Australien. Während ihres Aufenthaltes wurde sie Zeuge vieler Naturschauspiele, hat einsame Landstriche durchkreuzt und atemberaubende Dimensionen erlebt.
Im zweiten Teil der Ausstellung stellte sie ihre Reise ans Nordkapp mit ihrem Mustang dar. Stille Täler, tiefe Wälder und majestätische Berge, dies alles konzentriert sich dort auf kleinen Raum. Ungewöhnliche Formen und spannende Strukturen, die sich bei der Begegnung von Meer und Gebirge bieten, machen Norwegen zu etwas besonderem und bieten viele Fotomotive.

Kramliczek macht Porträtaufnahmen bekannter Persönlichkeiten, die dem Betrachter den Charakter der Prominenten näherbringt. So erleben wir den Sportler Zé Roberto im Fitnessstudio kraftvoll seine Muskeln spielen lassen, während der Musiker Max Mutzke im Aufnahmestudio gefühlvoll seine Lieder einspielt.

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Doch die Arbeit des Fotojournalisten beschränkt sich nicht nur auf Porträtfotografie. Ganz besonders hat es ihm Deutschlands südliche Metropole angetan: München. Kramliczek, der dort lebt und arbeitet, hat seine Leidenschaft für die bayerische Landeshauptstadt entdeckt. Sei es der Erstliga-Verein Bayern München und seine prominenten Starfußballer, das Oktoberfest mit hohem Polizeiaufgebot, der hochmoderne Olympiapark und die historische Innenstadt, oder einfach nur der Sommerschlussverkauf mit Susi – Kramliczek setzt das kosmopolitische Münchener Leben gekonnt in Szene. Er schafft es, aus alltäglichen Motiven das Besondere herauszuarbeiten.

Palus Arbeit konzentriert sich auf aktuelle soziale und politische Themen. So hat er bereits brisante Aufnahmen der Gefängnisinsassen von Guantanamo Bay, dem andauernden Kriegsgeschehen in Afghanistan und der zweiten Amtseinführung von George W. Bush gemacht. Die Fotos aus Afghanistan kontrastieren die Situation in der krisengeschüttelten Region – die erschreckende, alltägliche Brutalität auf der einen, und den unerschöpflichen Lebensmut der Menschen auf der anderen Seite. Da sind auf einem Bild lachende, kaugummikauende Jungen zu sehen, während auf einem anderen amerikanische Soldaten einen schwerverletzten Kameraden versorgen.

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Seine ergreifenden und aufrüttelnden Fotos sind in einflussreichen und weltbekannten Zeitungen und Magazinen wie der New York Times, Washington Post und dem Sunday Times Magazine erschienen.

Weiterhin wurden seine Bilder in mehreren Büchern und Katalogen publiziert, auf Festivals, in Ausstellungen und den renommiertesten kanadischen Museen gezeigt und mit bedeutenden Preisen - unter anderem dem Hasselblad Masters Award und als Canadian Photojournalist of the Year - ausgezeichnet.